Designart

Design d'espace

Dimanche 2 septembre 2012 à 20:45

(SANTIAGO  CALATRAVA)


 
VALENCE - 1951 - Architecte, artiste, ingénieur

Matériaux utilisé - le béton

1968 - Diplôme d’architecture et cours d’urbanisme à Valence
1975 - 3ème cycle en Génie Civile à l’Ecole polytechnique fédérale de Zurich
1983 - Installe son premier bureau à Zurich
1989 - Créer un deuxième bureau à Paris
1991 - Ouverture d’un troisième bureau à Valence

Construits des ponts, des gares et aéroports, centres culturels.
Calatrava est aussi un artiste prolifique en tant que peintre, sculpteur, céramiste, ou encore concepteur de mobiles, revendiquant que l’architecture combine tous les arts.

Prix
Médaille d’or d’Architecture de l’Académie d’architecture de Paris
Prix City of Toronto Urban Design Award
Chevaliers des Arts et des Lettres de Paris

Aéroport de Lyon

Opéra de Valence

Puenta del Alamillo - Séville

Dimanche 2 septembre 2012 à 20:41

(TADAO ANDO)



OSAKA - 1941
Architecte

Style - régionalisme critique : approche architecturale qui s’efforce de remédier à l’indifférence à l’égard de l’endroit de l’architecture Moderne en utilisant des forces contextuelles pour enrichir les significations de l’architecture.

Matériaux utilisé - le béton

1969 - Créer son cabinet d’architecture Tadao Architect & Associates
Cours des années 70 - Période d’expérimentation petits magasins / maisons

Ando explique que la construction massive de bâtiments due à des contraintes économiques et sociales a donné naissance à un paysage abrutissant pour les habitants. C’est pour lutter contre cette situation que Tadao Ando crée des bâtiments où les habitants sont débarrassés du tumulte extérieur. Il se démarque du courant fonctionnaliste et des plans logiques.

Prix
1985 - Médaille Alvar Aalto
1995 - Prix Pritzker
2002 - Prix de Kyoto
 

L'église de la Lumière - 1987 Osaka

Modern Art Museum of Fort Worth - 1998 Texas


Koshino House

Dimanche 2 septembre 2012 à 20:34

(CASPAR DAVID FRIEDRICH)


Caspar David Friedrich
, né le 5 septembre 1774 à Greifswald en Mecklenburg-Vorpommern et mort le 7 mai 1840 à Dresde, est le chef de file de la peinture romantique allemande du XIXe siècle.

À partir de 1794, il prend goût pour le dessin et pendant quatre ans, il fréquente l'Académie de Copenhague. Jens Juel et Abilghaard sont ses professeurs. Peintre de paysages prestigieux, connu pour ces paysages ossianiques. Abilghaard semble avoir particulièrement influencé Friedrich par son goût pour la mythologie nordique et le refus des modèles antiques. En 1798, il s'établit à Dresde. Tieck y habite, Goethe, Schlegel, Fichte, Schelling, Novalis y font de courts séjours. Les théories de Schelling sur la peinture, datées de 1802-1805, marquent profondément les peintres de cette époque. Il y évoque une spiritualité cachée dans la nature qui attend d'être dévoilée par le peintre ou l'artiste.

À cette époque, Friedrich se rapproche de la pensée de Schleiermacher, qui voyait l'approche du sentiment religieux dans la contemplation de la nature. En 1805, débute sa relation épistolaire avec Goethe. En 1809, Runge rédige la sphère des couleurs et en 1810, Goethe écrit le Traité des couleurs. Ces deux ouvrages influencèrent profondément Friedrich, lui procurant une symbolique supplémentaire, celle de la couleur. De plus, Goethe affirme que tout ce qui existe dans la nature appartient à une vision globale décelable par l'esprit. Friedrich est nommé membre de l'Académie de Berlin. Il voyage dans le Riesengebirge qui devient un thème récurrent de son oeuvre. En 1812, on peut considérer que cette année marque la courte période de reconnaissance du talent de Friedrich. Il expose à Berlin, est admiré par Goethe et Frédéric - Guillaume III achète Matin sur le Riesengebirge et le Jardin suspendu. En raison des invasions napoléoniennes, il débute sa période concernant les sujets patriotiques. À cette période, de nombreux artistes et philosophes romantiques décident de se rendre en Italie, dont Schinckel et Goethe. Mais Friedrich refuse d'aller à Rome, parce qu'il rejette toute forme d'antiquité et par peur que le paysage méditerranéen ne détruise son esthétisme. Friedrich tombe malade en 1824. En 1826, son état s'aggrave et il souffre d'un délire de persécution qui l'éloigne d'un bon nombre de ses amis. Pendant cette période, il peint peu mais en 1827, il se remet à la peinture à l'huile. En 1834, lors de la visite de l'atelier de Friedrich le sculpteur David d'Angers a un célèbre mot pour définir l'art de Friedrich : « Cet homme a découvert la tragédie du paysage. ». En 1835, une congestion cérébrale le laisse paralysé. Le 7 Mai 1840, Friedrich meurt à Dresde.

Le paysage romantique.

« Le peintre ne doit pas peindre seulement ce qu'il voit en face de lui, mais aussi ce qu'il voit en lui. » Cette phrase de Friedrich est la clé de son oeuvre, elle exprime tout le travail de l'artiste romantique face à la nature. Il s'agit pour lui de mêler son propre état d'esprit issu de cette vision à la représentation de la nature, Philipp Otto Runge, proche des idées philosophico-religieuses de Friedrich, expliquait qu'auparavant, les hommes faisaient leurs dieux à leur image. C'est une critique du monde antique. Friedrich disait : « l'art se présente comme médiateur entre la nature et l'homme. Le modèle primitif est trop grand, trop sublime pour pouvoir être saisi. Sa reproduction, oeuvre de l'homme, est plus proche des faibles ». Le peintre intercesseur doit être pur. Sa main guidée par l'esprit doit retranscrire un message noble. La pureté est un élément important et l'austère Friedrich expliquait : « Conserve en toi une pureté d'enfant […] une véritable oeuvre d'art ne peut sortir que d'une âme pure ». Le paysage nous met directement en relation avec la nature. Les peintres romantiques cherchaient à créer un paysage spirituel typiquement allemand sans référence à l'art antique ou à l'art italien. Ce paysage spirituel devait exprimer non seulement l'apparence mais également la réalité cachée, l'infini de la nature jusqu'à atteindre le Moi. La nature est la partie visible de la création divine. Les Neuf lettres sur la peinture de paysage de Carl Gustav Carus, rédigées entre 1815 et 1824 et publiées en 1831, éclairent cette idée de la nature sublime. Il explique que le recueillement, terme religieux par excellence, devant la nature, donne à l'homme l'impression de se perdre dans l'infini. « Tu sens le calme limpide et la pureté envahir ton être, tu oublies ton Moi. Tu n'es rien, Dieu est tout. » L'homme devant la puissance, la grandeur de la nature n'a pas d'autre alternative que la méditation, son salut en dépend. Il doit se perdre dans cette contemplation pour tenter d'atteindre l'Infini. La perte de l'identité qui en résulte doit être considérée plus comme un gain, car il y a rapprochement avec Dieu. La notion de panthéisme est très importante chez les Romantiques : Dieu est tout. Lorsque nous regardons la nature, création de Dieu, nous cherchons à rencontrer notre Créateur. Friedrich rejoignait cette pensée : «  Le divin est partout jusque dans un grain de sable ». Le thème de la nature « Bible du Christ » occupe la pensée de nombreux philosophes allemands de cette époque, notamment Goethe qui affirme que la nature est un appel à l'illimité et que l'esprit est capable d'y percevoir l'indicible. Hölderlin fait dire à Hypérion : « Tout mon être se tait pour écouter les tendres vagues de l'air jouer autour de mon corps. Perdu dans le bleu immense, souvent je lève les yeux vers l'Ether ou je les abaisse sur la mer sacrée, et il me semble qu'un esprit fraternel m'ouvre les bras, que la souffrance de la solitude se dissout dans la vie divine. »

Les Romantiques valorisèrent le genre du paysage : il acquit un sens plus spirituel. Kant, Schiller, Boehme ont été les premiers a lui rendre ses lettres de noblesse. Ils créèrent un vocabulaire, riche de symboles comprenant aussi bien la composition que la couleur. Schelling, dans Des Rapports des Beaux arts et la nature en 1807, disait : « L'artiste doit suivre l'esprit de la nature qui est à l'oeuvre au cœur des choses et ne s'exprimer par la forme et le dessin que comme s'il n'était question que de symboles ». Ces propos amènent la peinture de paysage au rang de la peinture d'histoire. Pour établir la supériorité de la peinture d'histoire, l'Académie affirme que ce genre contient tous les autres, le paysage, la nature morte, et même parfois le portrait y sont présents. Mais Schlegel démonte cet argument : Si le paysage n'est qu'un aspect de la peinture d'histoire, il participe autant au message délivré par cette peinture qui retrace un fait historique. Le paysage devient donc un genre très expressif, qui peut être investi de tous les pouvoirs de suggestion. De ce fait, les Romantiques désiraient placer le paysage à la première place de la hiérarchie des genres. Ils voulaient faire accéder le paysage à l'expression du Sublime.

Dimanche 2 septembre 2012 à 20:29

(REMS KOOLHAAS)


Avant de construire, Rem Koolhaas s'est distingué par une œuvre théorique originale, devenue culte depuis : New York Délire (Delirious New York), publié en 1978 reconstitue la construction de Manhattan comme une opération cohérente dont il fixe a posteriori le programme. "Journaliste mais aussi scénariste pour le cinéma avant d'être architecte et théoricien de l'architecture, Koolhaas a donné très tôt les preuves de ses dispositions particulières pour l'écriture 8". À propos de cet ouvrage, il déclare "J'entendais construire en tant qu'écrivain un territoire où je puisse finalement travailler comme architecte9."

Au début des années 1980, les propositions architecturales de OMA sont remarquées à l'occasion de nombreux concours. En parallèle, l'agence réalise plusieurs projets atypiques et ambitieux, répondant notamment aux commandes privées : Villa dall'Ava à Saint-Cloud (1991), la maison à Bordeaux (1998, équerre d'argent), ou à plus large échelle, avec les deux îlots d'habitation à Fukuoka au Japon appelés Nexus Housing (1991), ainsi que le Kunsthal de Rotterdam (1992)10

En 1994, OMA contribue au projet d'urbanisme Euralille (70 ha) rassemblant, autour de la gare Lille Europe (construite par Jean-Marie Duthilleul), un ensemble de bureaux et de centres sociaux, auxquels Jean Nouvel, Christian de Portzamparc ou Shinohara participent à travers la réalisation de bâtiments individuels.

Suite à la réalisation de nombreux projets en France et aux Pays-Bas durant les années 90, OMA s'investit dans les problématiques propres à l'urbanisme et aux infrastructures caractéristiques de l'Asie, procédant notamment à d'importantes études urbaines étalées sur une période de dix ans - Hyperbuilding in Bangkok Thailand, Hanoi New Town, Vietnam and Song Do New Town et New Seoul International City en Corée.

L'activité de l'OMA s'est distingué par la construction du New City Center à Almere (Pays-Bas), le Concert Hall de 1850 places à Porto (Portugal, concours de 2004), le Cordoba Convention Center (Espagne), ou encore le Centre pour le Zeche Zollverein à Essen (Allemagne).


Centre commercial EURALILLE - Lille

Aux États-Unis, l'Office s'inscrit dans le paysage urbain avec notamment la réalisation de la bibliothèque centrale de Seattle ; le Prada Epicenter Store de Los Angeles, et récemment, celui de New York (2001) ; mais aussi, le IIT Campus Center (2003) à Chicago. OMA s'investit également dans de nombreuses réalisations muséales : The Whitney Museum de New York, The Los Angeles County Museum of Art, ou encore deux Guggenheim Museum à Las Vegas (2001).

En Asie, l'immeuble le SNU (Seoul Nation University museum of art), le musée de l'université nationale de Séoul, a été achevé en 2005. La forme du bâtiment a été conçu comme une boîte de base rectangulaire, tranchés en diagonale par la pente de la colline. Ce rectangle tient sur un noyau central - le seul point de contact avec le sol - de sorte que le bâtiment suit la topographie de celui-ci et apparaît à planer au-dessus. En France en 2004, Rem Koolhaas participe sans le remporter à un grand concours d'urbanisme : le réaménagement des Halles de Paris. Ces concours servent la notoriété de l'agence.

Récemment l'Office for Metropolitan Architecture s'est investi dans l'un de ses projets les plus notoires: la réalisation du Siège de la Télévision centrale de Chine, la centrale de télévision de Pékin, répartie sur une superficie de 575 000 m2, achevée en 2009 pour la célébration des Jeux olympiques, un incendie a atteint la tour annexe faisant partie du complexe et a ralenti les travaux. Le bâtiment principal a une forme de spirale formée par des sections horizontales.

Aujourd'hui l'OMA a été choisi par la Communauté Urbaine de Bordeaux11 pour la création de 50.000 nouveaux logements dans 27 communes. La stratégie cherchera des moyens pour atteindre la densité, la mixité et l'accessibilité des nouveaux logements sur un territoire de 550km2, afin de permettre à la ville de Bordeaux de prévenir une croissance de la population de manière durable.



Casa da musica - Porto

China Central Television Headquarters

Dimanche 2 septembre 2012 à 20:20

(ZAHA HADID)


Zaha Hadid, née le 31 octobre 1950 à Bagdad, en Irak, est une architecte irako-britannique, figure du mouvement déconstructiviste.
Zaha Hadid est née le 31 octobre 1950 à Bagdad, en Irak. Elle étudie les mathématiques à l'université américaine de Beyrouth puis l'architecture à l’Architectural Association School of Architecture de Londres. Après l'obtention de son diplôme, elle travaille à l'Office for Metropolitan Architecture (OMA) avec Rem Koolhaas avant de créer sa propre agence à Londres en 1980. Durant les années 1980, elle enseigne aussi à l'Architectural Association School of Architecture, puis dans les plus prestigieuses institutions internationales.

Avec Koolhaas, elle rencontre Peter Rice qui la soutient à une période où ses œuvres semblent difficiles à construire. Elle obtient un poste à la chaire Kenzō Tange de la Graduate School of Design, université Harvard, la chaire Sullivan de l'université de l'Illinois à Chicago, école d'architecture. Elle a été, par ailleurs, professeur associée à la Hochschule für Bildende Künste à Hambourg, la Knowlton Shool d'Architecture, de l'université de l'État de l'Ohio, les Masters Studio de l'université de Columbia, New York et le professeur invité Eero Saarinen de design architectural à l'université Yale dans le Connecticut. Elle est membre honorifique de l'American Academy of Arts and Letters et de l'American Institute of Architects.

Son style se caractérise par une prédilection pour les entrelacs de lignes tendues et de courbes, les angles aigus, les plans superposés, qui donnent à ses créations complexité et légèreté. Elle est la première femme à obtenir le prix Pritzker en 2004. En 2008, elle est classée par le magazine Forbes au 69e rang des femmes les plus puissantes du monde2. Actuellement, elle est professeur à l'université des arts appliqués de Vienne en Autriche. En 2006, une rétrospective de son œuvre a eu lieu au Guggenheim de New York. Elle est le deuxième architecte à avoir bénéficié de cet honneur après Frank Gehry. La même année, elle reçoit un titre honorifique de l'université américaine de Beyrouth.

Le cabinet de design architectural - Zaha Hadid Architects - compte désormais 250 personnes. Son siège est situé à Londres. Zaha Hadid est assistée de cinq directeurs principaux de projets : Patrick Schumacher, Woody K. T. Yao, Jim Heverin, Christos K Passas et Gianluca Racana.


Serpentine Gallery


Usine BMW

Opéra de Canton - Chine

<< Page précédente | 4 | 5 | 6 | 7 | 8 | 9 | Page suivante >>

Créer un podcast